DÉBUTER EN PHOTOGRAPHIE AVEC LES BONNES BASES

LES RÈGLES PHOTOGRAPHIQUES INDISPENSABLES

Ça y est, vous venez de casser votre tirelire pour acheter l’appareil photo de vos rêves. Il va maintenant falloir apprendre à maîtriser tous ses réglages… L’aventure commence ;)

Débuter en photographie c’est se poser beaucoup de questions sur la technique. Et par moment se dire qu’on y arrivera jamais… Rassurez-vous, car vous êtes arrivés au bon moment et au bon endroit. Tout d’abord, cet article va vous donner quelques réponses ! Ensuite il vous permettra de prendre confiance en vous et aussi de mieux connaître votre matériel photo. Enfin vous allez progresser ! C’est une promesse ;)

Faire de meilleures photos c’est surtout connaître et maîtriser les bases de la photographie avant de passer au niveau supérieur. Peu importe la marque ou le modèle de votre appareil photo parce que les bases sont les mêmes pour tous !

LES NOTIONS DE BASES POUR DÉBUTER EN PHOTOGRAPHIE

Vous allez mieux comprendre la technique et améliorer vos prochaines photos !

Une photographie de paysage réussie est souvent composée de plusieurs éléments qui se réunissent dans un équilibre harmonieux dans le cadre. Cela peut être assez complexe ou d’une simplicité trompeuse. Les relations spatiales et la couleur sont les éléments de base utilisés pour équilibrer la plupart des compositions, et une sélection minutieuse des objectifs est aussi essentielle pour distiller une image jusqu’à son essence.

• Quelle est la recette pour réaliser une bonne photo ?
• Quelles sont les règles à respecter pour obtenir un rendu de qualité ?
• Comment comprendre et appliquer les réglages de base ?

Ce sont les thèmes de ce tutoriel. Vous êtes prêt ? On y va ! Premier choix :

ORIENTATION PAYSAGE OU PORTRAIT

L’orientation paysage

C’est le format horizontal. Il correspond le mieux à la vision humaine car il balaye l’espace de gauche à droite. Ce format s’adapte au mieux à la prise en main du boitier. Adapté à la prise de vue de scènes générales comme les paysages, les groupes de gens ou les scènes de rue. Cette orientation donne une impression de stabilité, de profondeur et de distance à l’image.

L’orientation portrait

C’est le format vertical. La tenue du boîtier est un peu plus délicate pour ne pas bouger. Les bras sont dans l’axe du corps. L’œil balaye l’image de haut en bas. Utilisez ce format pour les prises de vue de portraits, d’architecture ou pour toutes les actions qui se déroulent dans le sens de la hauteur. Cette orientation donne une impression de proximité, d’action et de dynamisme à l’image.

LE POINT DE VUE

Débuter en photographie, c’est aussi apprendre à regarder. Le photographe choisit sa position par rapport au sujet afin de retranscrire ses sentiments face au sujet. Plus le point de vue s’éloigne et plus le photographe montre une certaine distance par rapport au sujet. Inversement, si le point de vue est proche du sujet, le photographe exprime une certaine intimité avec le sujet. Une question importante surtout pour les portraits.

N’hésitez pas à bouger, à changer de point de vue. Il suffit parfois de parcourir quelques mètres pour obtenir un cadrage différent et plus intéressant.

Il y a 3 points de Vue différents

1. Hauteur d’œil

Le photographe est à la même hauteur que le sujet. En fait c’est le point de vue le plus neutre. Le sujet représenté à hauteur d’oeil n’est pas déformé et la perspective est respectée. L’emplacement idéal pour un portrait avec une focale comprise entre 50mm et 135mm.

2. Plongée

Cette fois-ci, le photographe se situe au dessus du sujet, boitier vers le bas. Il domine le sujet et donne une impression d’isolement au sujet. Ce point de vue écrase les perspectives et tend à déformer l’image.

3.Contre plongée

Le photographe est situé en dessous du sujet avec le boitier vers le haut. Il donne une impression de domination et de puissance au sujet. Ce point de vue met en avant les éléments au premier plan mais il peut également déformer les perspectives de l’image. En fonction de la focale choisie, le point de vue du photographe varie également : Plus la focale est courte (grand angle), plus il va y avoir de profondeur de champs. Enfin, plus la focale est grande (téléobjectif) plus elle écrase les perspectives et moins il y a de profondeur dans le champ.

LES VALEURS DE PLAN

Lorsqu’on choisit de faire une photo il y a une chose importante à prendre en compte, c’est le cadrage. C’est l’une des bases de la mise en scène et l’un des aspects les plus importants quand on fait une image. Débuter en photographie passe forcément par cet apprentissage.

Plan général (PG)

Il représente et situe le sujet dans son environnement. Met en valeur la place du sujet et son rapport avec le lieu où il se situe. On conseille la courte focale pour obtenir un maximum de profondeur de champs.

Plan d’ensemble (PE)

Plus serré que le plan général, le sujet devient identifiable. Le sujet et son environnement prennent la même place dans l’image. Courte focale conseillée car il faut un maximum de profondeur de champs. Autrement dit, une grande zone de netteté !

Plan moyen (PM)

On voit le sujet dans sa totalité et plus serré. Il devient plus important que le décor. On peut utiliser une courte focale en se rapprochant du sujet ou bien une longue focale en restant éloigné du sujet.

Plan américain (PA)

Le sujet est cadré à mi-cuisse (il s’appelle plan américain car à l’époque des westerns américains ce plan était très utilisé pour montrer les revolvers des cow-boys). Ce plan isole le sujet et réduit la profondeur de champs. Il est préférable d’utiliser d’assez longues focales car les grands angles déformeraient le sujet.

Plan rapproché (PR)

Il isole le sujet et met en valeur certaines zones du sujet. Pour les portraits, deux types de PR, plan taille et plan poitrine, qui mettent en valeur la partie supérieure du modèle, au dessus de la taille ou de la poitrine.

Gros plan (GP)

Met en valeur un détail du sujet et ne montre pas le décor.

Très gros plan (TGP)

Met en valeur une petite partie du sujet uniquement et permet d’isoler un détail du sujet. Il est important pour les GP et TGP de bien éclairer le sujet afin d’obtenir des volumes et des textures réalistes avec des détails précis.

RÈGLES DE COMPOSITION

La règle des tiers

Débuter en photographie, c’est aussi se tromper. Alors pas de panique et prenez le temps qu’il faut !

La règle des tiers est issue de la règle du nombre d’or, qui permet de déterminer la proportion idéale que prend le sujet dans l’image. Ce nombre d’or a permis d’établir des lignes imaginaires qui découpent l’image en trois parties horizontales et verticales égales. Ce sont les lignes de forces qui composent la règle des tiers, très utilisée pour le cadrage d’une image ou d’une vidéo. Dans un futur proche, vous aurez ces lignes et ces points en tête quand vous composerez votre photo.

CHEMINEMENT VISUEL

Débuter en photographie c’est apprendre à regarder et proposer votre regard sur vos photos. Certaines études scientifiques ont montré que nous avions tous le même cheminement visuel lorsque nous observons une image. Ce cheminement est déterminé en fonction de notre culture. En occident, l’œil humain lit une image de haut en bas et de gauche à droite, c’est le cheminement en « Z ». Ce balayage de gauche à droite explique pourquoi une photographie avec des dominantes horizontales paraît plus reposante pour l’œil. Alors que des dominantes verticales paraissent plus fatigantes.

L’œil est donc attiré par certaines zones précises de l’image.

Il y a les points forts ou le centre de l’image. Mais il peut également être attiré par les zones avec les plus grandes formes. Ou bien les zones qui paraissent les plus proches dans l’image. Il est important de noter que l’œil est inconsciemment attiré par d’autres régions de l’image, déterminées par certains paramètres comme, netteté, premier plan, second plan, diagonales de l’image, couleurs plus ou moins attirantes, etc.

ÉQUILIBRE ET RÉPARTITION DES MASSES

Débuter en photographie, c’est aussi comprendre la composition d’une image. Pour qu’une photo paraisse agréable et harmonieuse, elle doit être composée de manière à équilibrer les différentes masses et les volumes présents dans l’image. Ainsi, les masses plus grandes attirent plus facilement l’attention que les plus petites. Il y a également la couleur de ces masses qui entre en compte, la distance qui sépare deux masses entre elles et leur positionnement les unes par rapport aux autres. Je vous conseille donc conseillé de placer les masses sur les différents points forts de l’image, en veillant à ne pas estomper des masses importantes.

Ici, on peut constater que les éléments importants du sujet se trouvent à proximité des points forts de l’image. Les masses sont en équilibre, la roche occupe la diagonale gauche et le ciel et la mer occupent la diagonale droite. La zone très contrastée et « sombre » des rochers s’équilibre avec la zone plus claire et plus estompée à droite. Les teintes sont en équilibre. Il est important que cette dominante bleue prenne plus d’espace que la montagne. Cela éclairci l’image et la rend plus agréable à regarder.

Si les rochers prenaient plus de place que le ciel et la mer, cela assombrirait et étoufferait l’image, enlevant ainsi le côté relaxant du visuel.

On peut remarquer le regard du sujet.

Il est orienté dans l’axe de la diagonale de l’image, rappelée et accentuée par la cordée. Dans tous ces exemples de visuels, il y a inconsciemment un élément qui attire l’œil en premier, l’Homme.

En effet, l’œil est automatiquement attiré en premier par le personnage représenté dans le décor. Dans le cas d’un portrait (visage), l’œil sera automatiquement attiré par le regard du modèle représenté. C’est également valable pour les animaux.

EXPOSITION

L’exposition d’une photo correspond à la quantité de lumière qui est reçue par le film (argentique) ou par le capteur (numérique) de l’appareil.

La quantité de lumière reçue par l’appareil dépend de trois paramètres :

• La sensibilité, qui détermine de quelle manière la lumière est reçue et absorbée par l’appareil.
• L’ouverture, qui va permettre de réguler et contrôler la quantité de lumière entrante.
• La vitesse d’obturation qui va déterminer la durée d’exposition du film ou du capteur.

SENSIBILITÉ

La sensibilité se détermine en ISO. C’est l’échelle qui mesure la sensibilité des surfaces où est envoyée la lumière lors de la prise de vue (capteur en numérique et film en argentique). Plus cette valeur est élevée ( ex : 3 200 ISO), plus l’appareil est sensible à la lumière. Il n’y a donc pas besoin d’une très grande quantité de lumière pour avoir une exposition correcte. Essayez toujours de travailler avec la sensibilité la plus basse possible afin d’éviter le grain sur vos photos. Si les conditions sont normales, une sensibilité de 100 est largement suffisante.

A l’inverse, si cette valeur est basse (ex : 100 ISO), il faudra une très grande luminosité pour obtenir une image bien exposée. Une image bien exposée est une image qui montre un maximum de détails à la fois dans les hautes et dans les basses lumières. (Plus sur les ISO avec WikipédiA)

OUVERTURE ET FOCALE

Débuter en photographie avec la conscience de l’interaction vitesse et ouverture.

Lorsque la lumière entre dans l’appareil, celle-ci passe au travers de plusieurs lentilles, séparées par le diaphragme. C’est donc en variant l’ouverture du diaphragme que l’on va laisser entrer plus ou moins de lumière sur le film ou le capteur. L’ouverture du diaphragme va être déterminante pour l’exposition d’une image mais également pour sa profondeur de champ. En effet, plus l’ouverture est petite, plus l’image aura une grande zone de netteté et donc plus de profondeur de champ.

Inversement, plus l’ouverture sera grande et moins il y aura de profondeur de champs dans l’image (à focale constante). Sur un appareil, c’est par des chiffres à l’avant du boitier : 1 – 1.4 – 2 – 2.8 – 4 – 5.6 – 8 – 11 – 16 – 22 – 32 – 64. Plus ce chiffre augmente (11-16-22-32), plus l’ouverture du diaphragme se réduit et donc moins la lumière entre. Notons tout de même que quelque soit la focale, l’écart entre une valeur d’ouverture et la suivante (ex 2 et 2.8) laissera entrer deux fois moins de lumière.

L’ouverture du diaphragme est indissociable du choix de la focale de l’appareil.

La focale d’un objectif va déterminer le grossissement de l’image. Plus la focale est grande, plus on peut zoomer et donc accrocher des détails d’un sujet. Cependant, le choix de cette focale peut entrainer des déformations de l’image. En effet, des grandes focales ont tendances à ramener tous les éléments du premier plan et de l’arrière plan au même niveau. Ce qui a tendance à rapprocher ces éléments et donc enlever du relief et du volume à l’image. Les courtes focales peuvent déformer les perspectives car le champ de vison est beaucoup plus large (exemple du fisheye).

Focale très courte, effet fisheye, les perspectives sont déformées.

Très longue focale, l’arrière plan est totalement flou, il n’y a pas de profondeur.

VITESSE D’OBTURATION

Ou temps de pose. Elle détermine donc le temps pendant lequel le capteur ou le film est exposé à la lumière qui entre dans l’objectif. Ce temps de pose est contrôlé grâce à l’obturateur et exprimé en secondes. 1 seconde – 1/2s – 1/4s – 1/8s – 1/15s – 1/30s – 1/60s – 1/125s – 1/250s – 1/500s – 1/1000s – 1/2000s (et plus…)
Avec une sensibilité et une ouverture constante, plus la vitesse est rapide, moins la lumière entre. Et donc plus la vitesse est lente, plus la lumière entre. La vitesse d’obturation permet donc de gérer l’exposition du film ou du capteur. Elle permet également de contrôler la représentation du mouvement dans l’image. En effet, plus la vitesse est rapide, plus le mouvement de l’image parait figé et stable. Inversement, plus la vitesse est lente et plus l’image pourra restituer l’impression de mouvement, filés, flous etc.

Attention à vitesse lente, il est parfois très difficile de stabiliser l’appareil et donc d’avoir un rendu correct. (Trépied conseillé si la vitesse est inférieure à 1/30s.)

Grâce une grande vitesse d’obturation, le mouvement est figé et le surfeur “flotte” en l’air.

Une vitesse plus lente procure une notion de mouvement et de déplacement.

PROFONDEUR DE CHAMPS ET MISE AU POINT

La profondeur de champs

Débuter en photographie c’est avoir entendu parler de la profondeur de champs sans comprendre le principe. C’est pourtant un élément déterminant de l’image. C’est la distance qui sépare le premier et le dernier plan nets de l’image. Elle permet donc de cibler quelles zones de l’image apparaitront nettes et quelles zones seront floues. Elle met en valeur certains éléments du sujet représenté et donne ainsi une signification et un sens de lecture à l’image.

La profondeur de champ dépend de deux paramètres :

• La distance entre le sujet et le photographe, qui détermine la mise au point.
• L’ouverture du diaphragme qui détermine l’exposition (en fonction de la focale).

Ainsi, si l’on garde toujours la même ouverture et la même focale, plus la distance entre le sujet et le photographe sera grande plus il y aura de profondeur de champs. Toujours avec la même focale, plus l’ouverture est grande et moins il y a de profondeur et donc de zones nettes dans l’image.

Inversement

Plus on réduit l’ouverture et plus il y a de profondeur de champs. Enfin, avec la même ouverture et la même distance, plus la focale est grande, moins il y a de profondeur, et inversement. Pour un portrait, si on utilise une petite focale (28mm), il faut se rapprocher très près du sujet pour avoir une bonne profondeur. Ce qui entrainera des déformations de l’image. Si on choisit une grande focale (200 mm), la profondeur de champs sera correcte mais il faudra s’éloigner du sujet, ce qui peut poser problème.

Utiliser des focales moyennes (entre 50 et 135mm) pour réaliser des portraits avec une profondeur de champs intéressante et une ouverture moyenne. Ce choix de focale situera le photographe entre 2 et 4 mètres du sujet.

Pour un paysage, le choix d’une grande focale ne permet pas d’avoir un champ de vison et une profondeur de champs très importants. Il faut réduire considérablement l’ouverture pour obtenir une profondeur de champs correcte.. Utilisez de préférence un grand angle tournant autour de 24mm. Choisir une petite focale qui élargira le champ de vison et augmentera la profondeur de champs, à ouverture moyenne. Donc, choisir un grand-angle.

Place aux détails !

Une fois tous ces paramètres pris en compte, le photographe peut donc choisir la netteté qu’il souhaite attribuer à son image et donc mettre en avant certains éléments du sujet. Il va ainsi pouvoir déterminer vers quelles zones et vers quels détails orienter le lecteur, en créant un avant plan et un arrière plan par exemple. On commence à parler composition là ;)

Notons que des éléments flous (marcheurs à gauche) se situent dans des points forts de l’image et sur des lignes de force, ce qui attire le regard vers eux et accentue le message que souhaite transmettre l’auteur.

CONTRASTES ET COULEURS

Contraste

Le contraste d’une image correspond à la différence de densité qu’il existe entre les teintes les plus claires et les teintes les plus sombres. Une image bien contrastée est donc une image qui présente le plus de teintes intermédiaires proches du noir et du blanc.Il est donc indispensable au photographe de bien paramétrer l’exposition de son appareil avant la prise de vue afin de restituer un maximum de contrastes et de détails . Le contraste d’une image dépend principalement de le quantité de lumière présente en prise de vue ainsi que son orientation. En effet, une lumière très forte produit des ombres très denses, et inversement.

Placement du photographe

Notre positionnement par rapport à la source lumineuse est indispensable à de bons contrastes et de belles teintes. Le choix des contrastes permet au photographe de dynamiser l’image, améliorer le rendu et accentuer le message qu’il souhaite transmettre. Une image avec des contrastes faibles va sous-entendre une impression de calme et de douceur alors qu’une image très contrasté va être plus dure et plus expressive, plus inquiétante.

Attention !

Débuter en photographie c’est aussi faire doucement sur la pédale ! Il ne faut pas trop dynamiser l’image avec des contrastes trop forts car cela entraine souvent des couleurs saturées et des contours qui bavent. Ce qui nuit considérablement à la qualité du visuel. Il est donc très important de trouver un équilibre de contraste permettant à la fois de monter des détails précis dans les hautes et les basses lumières tout en dynamisant l’image.

Pas assez de contraste, l’image parait voilée.

Image bien contrastée, les teintes et les couleurs sont respectées.

Image trop contrastée, manque de lisibilité des détails dans les zones d’ombre.

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Débuter en photographie – Fin

Voilà de bonnes bases pour bien démarrer dans la photographie !

Aucune de ces règles ne constitue une véritable règle à suivre ; en fait, enfreindre les règles est bien plus amusant. Mais comment les briser si vous ne les connaissez pas ? Les règles de composition photographique sont là pour apprendre et comprendre ce qui fait qu’une photo passe d’un instantané à une photographie qui suscite l’intérêt et dont on peut être fier. Il s’agit d’expérimenter et de pratiquer pour trouver un style unique qui vous distingue. J’en parle dans cet article…

En conclusion, je suis certain que ce tutoriel va vous aider à bien débuter en photographie. Vous allez maintenant faire de meilleures photos. Je veux être honnête tout de même ! Il vous faudra encore un peu de temps pour mettre tout ça en application. Bien comprendre le mécanisme des différents réglages diaphragme – vitesse en particulier. Décortiquez le mode d’emploi de votre appareil. Vous devez maîtriser les commandes les yeux fermés. Enfin faites beaucoup d’essais et sachez-le… on peut se tromper ;) Je parle de mon matériel ici… Un dernier conseil gardez cette page en signet, vous aurez besoin d’y revenir !

Ansel Adams – Photographe de légende

Merci de partager cet article si vous pensez qu’il peut intéresser quelqu’un…

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À bientôt et bonnes photos,

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