Sont-ils naturellement doués ?

Il peut y avoir des prédispositions…

Les grands photographes ont une sensibilité particulière à l’image. Une facilité naturelle pour composer, mettre en scène et valoriser la lumière. Vous vous demandez peut-être comment ces belles photos de paysages présentées dans les magazines sont prises. Les couleurs sont si vives et les compositions toujours intéressantes. La façon dont elles guident votre regard du premier plan vers un sujet principal à l’arrière-plan. Tout est parfait.

Si vous voulez être un photographe significatif, si vous voulez que votre travail signifie quelque chose et soit plus important, ayez un but. Certains photographes savent raconter magistralement une histoire avec une seule image. Pensez à ce qui est important pour vous, photographiez-le, racontez une histoire et exposez les gens à quelque chose que vous jugez important.

Photographier est une attitude, l’expression d’une vision du monde. Ce n’est pas un art magique emprunté à un instrument. L’appareil photo ne fait pas le photographe. Le photographe utilise l’appareil photo comme un outil.

Des tonnes de photos tous les jours !

La question de savoir ce qui sépare les grands photographes des bons photographes est complexe…

Tous les jours, nous voyons des tonnes de photographies autour de nous. Beaucoup sont très bonnes. Certaines tout simplement magnifiques. De nombreuses pas très intéressantes finalement et beaucoup de photos identiques… Voici quelques pistes pour sortir du lot et améliorer sa production.

• Les grands photographes montrent moins de photos. Paradoxalement, ils sont mieux à même de promouvoir leur travail. L’image de marque ne peut pas être sous-estimée.
• Ils reviennent au même endroit, sujet ou concept encore et encore, essayant de créer une meilleure image.
• Les grands photographes se soucient de l’émotion et de la narration, pas des règles. Ils ont aussi beaucoup de patience pour obtenir une image particulière.
• Ils créent leur propre chance en se plaçant aux bons endroits au bon moment. Ils font beaucoup de planification. La recherche est essentielle, surtout s’il s’agit d’un lieu ou d’un sujet inconnu.
• Enfin, ils travaillent constamment. Ils pratiquent beaucoup. Ils essayent de nouvelles techniques et perfectionnent les anciennes. Ils connaissent intimement leur équipement.

Les qualités des grands photographes

1. PERSÉVÉRANCE

La persévérance est la clé. Tout le monde rencontre des défis dans son parcours photographique. La clé est de ne pas abandonner. Et ne vous attendez pas à exceller immédiatement. En ce qui concerne la photographie, vous aurez peut-être besoin d’une dizaine d’années pour vous perfectionner.

Les grands photographes ont un but. Leurs photos ont un sens. Ansel Adams n’était pas seulement un photographe de paysage. Il était écologiste avant l’heure et a travaillé avec le gouvernement américain pour inciter les gens à se soucier des parcs nationaux.

2. STYLE

Les grands photographes ont des styles de photographie emblématiques. Ils sont persistants dans un certain domaine et ils le maîtrisent à fond. Les grands photographes développent un style avec le genre de photographie dans lequel ils se sentent bien. Donc, si vous voulez vous épanouir en tant que grand photographe, soyez un spécialiste, pas un généraliste.

J’en parle dans ce tutoriel : Trouver son style en photographie.

Les grands photographes ne se contentent pas de suivre les traces des autres. Si les photos de tout le monde se ressemblaient, personne ne se soucierait de personne. C’est pourquoi être unique à votre manière est important. Trouvez un moyen de faire quelque chose de complètement nouveau.

3. CURIOSITÉ

Si vous lisez cet article, alors bien joué ! Vous êtes déjà sur la bonne voie. Les grands photographes s’intéressent au fonctionnement des autres artistes. Ils apprennent de l’excellent travail des autres. Découvrez d’autres photographes, ce qui les a influencés, ce qui les a inspirés, ce qui les a rendus grands. Comprendre l’artiste pour comprendre ce qui le rend exceptionnel à vos yeux, puis appliquer l’essentiel de cela à votre propre démarche.

Vous trouverez l’inspiration d’autres photographes sur cette page : La Crèmes des Photographes de Paysages.

4. IMAGE FINALE

Les plus grands photographes se concentrent sur l’image finale. Les grands photographes feront presque tout pour obtenir l’image finale qu’ils ont en tête. Je le dis souvent : La photographie est une construction mentale avant d’être une réalité. Soyez toujours clair sur la raison pour laquelle vous prenez une photo. Les grands photographes commencent avec une vision dans leur esprit et imaginent comment ils peuvent parvenir au résultat recherché. Ils prennent les dispositions nécessaires pour arriver à cette image finale.

J’en parle dans cet article : La Photographie de Paysages.

5. MONÉTISATION

Les grands photographes trouvent des moyens de vivre de leur travail. Beaucoup pourraient soutenir que la photographie est un art et un moyen de transmettre un message, mais nous savons tous que le monde réel ne fonctionne pas de cette façon. Si vous ne monétisez pas votre photographie, vous serez coincé avec un travail de neuf à cinq qui absorbera votre énergie et votre temps pour la photographie.

Vous devez trouver un moyen de gagner votre vie avec votre photographie afin de pouvoir vous y consacrer à 100 %. Cela signifie savoir se commercialiser et parfois savoir renoncer un peu à ses idéaux. Mais cela est pour le plus grand bien de votre mission.

Visitez la boutique

Je pense que l’on peut tous apprendre la technique, mais la partie créative vient de l’intérieur et ne peut pas vraiment être « enseignée ». Certains l’ont naturellement, et malheureusement, certains ne l’ont pas. Personnellement, je préfère voir une photo créative avec quelques défauts techniques, plutôt qu’une photo technique parfaite sans intérêt créatif.

Couleurs et composition

Quand les gens disent qu’ils aiment une photo, ils aiment souvent les couleurs.

Les couleurs sont le sucre de la photographie. Nous aimons tous le sucre. Les couleurs nous frappent immédiatement sur une photo et il y a peut-être une théorie sur la perception des couleurs pour comprendre pourquoi certaines couleurs fonctionnent mieux que d’autres et nous entraînent à dire WOW la belle photo !  Le bleu du ciel, les couleurs des fleurs, une forêt en #automne…

La technique et les couleurs, c’est bien ! Mais j’aime surtout les photos capables de capter mon attention et de me donner des émotions pendant au moins 10 secondes. Dix secondes, c’est beaucoup ! Regarder une photo durant si longtemps est finalement assez rare. Prenez le temps d’y penser et vous verrez que ce n’est pas faux. C’est plus que le temps que nous passons à regarder une peinture dans une galerie d’art… Mona Lisa mise à part ;)

Parfois, il faut savoir oublier la technologie et faire des images avec le coeur !

La composition est la base de la photographie

Chaque élément de la photo doit être parfaitement disposé dans le cadre afin d’obtenir le résultat parfait. C’est bien connu. J’aimerais maintenant analyser deux types de composition. Les premières sont les compositions bloquées. Les secondes sont les compositions centrifuges.

La composition bloquée…

Je parle de celles où le sujet est généralement au milieu et où tous les autres éléments pointent directement au centre du cadre. Un grand classique qui ne fait pas prendre de risques et qui fonctionnent bien la plupart du temps. Même s’il y a beaucoup de photos célèbres et plutôt bonnes basées sur cette composition bloquée, j’adore aussi le contraire.

La composition centrifuge…

Cette composition est beaucoup plus intéressante. Étant donné que chaque photo est définie par ses éléments, mais également par le cadre, chaque élément qui a tendance à sortir des frontières ajoute généralement quelque chose d’intéressant. C’est comme s’il était impossible de contenir toute l’histoire à l’intérieur du cadre. C’est comme s’il y avait deux photos : la visible à l’intérieur du cadre et l’autre invisible à l’extérieur. Une composition centrifuge livre deux photos en une ou, au moins, raconte une histoire plus grande. Quelque chose se passe à l’intérieur du cadre et vous pouvez le voir, mais quelque chose se passe également à l’extérieur, et vous pouvez simplement l’imaginer. L’histoire intérieure est si forte qu’elle essaie de s’échapper en dehors du cadre. C’est souvent dans cette situation que nous dépassons ces fameuses 10 secondes…

Les grands photographes ne pensent pas à comment être grands. Ils font juste leurs images, à leurs façons et se motivent constamment à être meilleurs.

Les 8 principes de composition

Comment les grands photographes composent leurs images ?

Y a-t-il un aspect du processus qui sépare le simplement bon du vraiment magnifique ? De nombreux candidats viennent immédiatement à l’esprit, tels que le sujet, la lumière, l’humeur et le moment. Mais un aspect dépasse clairement tout le reste, et c’est le fil qui relie toutes ces autres qualités. La composition, l’arrangement artistique et le placement des éléments visuels dans le cadre de l’image. C’est l’aspect le plus difficile à maîtriser de l’art photographique, et aussi le plus important.

1. Équilibre

C’est quelque chose que vous ressentez lorsque vous regardez une image. Est-ce que cela semble lourd ? Léger ? Centré ? Symétrique ? Si vous regardez votre image et que vous avez l’impression de vous pencher dans un sens ou dans l’autre, votre photo est peut-être déséquilibrée. Il faut arriver au bon équilibre.

2. Contraste

C’est l’un des aspects les plus négligés de la photographie. Le contraste ajoute une vie dynamique à votre image. La plupart d’entre nous le savent, mais le contraste peut aussi raconter une histoire. Lorsque vous regardez une vieille peinture du Christ, vous voyez souvent de la lumière provenant de sa tête, et l’environnement est très sombre. Le contraste à l’intérieur de l’image vous oblige à regarder son visage. Le contraste ou l’absence de celui-ci est un conteur extrêmement puissant. Voir le tutoriel : Accessoires photo indispensables pour faire un paysage dramatique.

3. Positionnement

Ansel Adams a dit un jour : « Une bonne photographie, c’est savoir où se tenir. » Explorer à fond une scène est le meilleur moyen de vous assurer de trouver quelque chose de convaincant et d’original. Si vous ne vous posez pas de questions comme à quoi ressemblerait la vue depuis cette petite colline là-bas ?, Alors vous vous limitez aux seuls plans les plus évidents. Si vous souhaitez créer des compositions uniques et significatives, vous devez faire bouger vos pieds et expérimenter différents angles, longueurs focales et positions relatives. Ce n’est qu’alors que vous pourrez vraiment voir ce que le monde à offrir.

4. Mouvement

Le mouvement est une sorte de sonorité. Y a-t-il un mouvement dû au flou de mouvement, à l’eau vaporeuse ou au mouvement des nuages ? Ceci est un mouvement dans l’image. Le mouvement est utile pour raconter une histoire ou créer une ambiance dans une photo. L’opposition visuelle est la clé des compositions dynamiques. Les éléments opposés créent de l’énergie. Recherchez des lignes ou des formes qui s’inclinent ou pointent dans des directions opposées pour renforcer l’image.

5. Pattern

La répétition a une importance dans l’image, car elle peut créer une sensation uniforme. Cette sensation entre dans la création d’une composition unifiée. S’il y a trop de chaos dans une image, le spectateur ne sait pas où regarder. Le motif répétitif calme le chaos et permet à l’œil de rechercher le sujet.

6. Direction

Les éléments principaux sont utiles pour attirer l’œil du spectateur sur la photo. Les lignes directrices qui s’étendent du premier plan à l’arrière-plan sont particulièrement puissantes. D’autres formes placées au premier plan peuvent accomplir la même chose. Une rivière incurvée peut encourager l’œil à serpenter tout au long de la scène, tandis qu’un rocher en forme de triangle peut pointer dans la composition. De multiples éléments visuels, correctement organisés, peuvent encourager l’œil du spectateur à voyager profondément dans la scène ; une progression visuelle de bas en haut est souvent particulièrement efficace sur des images verticales. En format paysage, un balayage gauche droite est très puissant également.

En fournissant un point de référence évident pour les spectateurs, vous aidez non seulement à diriger leur mouvement visuel à travers l’image, mais vous pouvez aussi simplifier une scène autrement chaotique. Les ancres visuelles sont des éléments simples, mais convaincants qui sont généralement placés au premier plan d’une image, fournissant ce point de référence indispensable.

7. Rythme

Le rythme traite de la façon dont l’image résonne. C’est une combinaison de répétition et de motif, mais avec plus de dynamique. Pensez-y comme une chanson. La musique a une répétition et un motif, mais elle monte et descend en fonction des paroles de la chanson. En photographie, cela est créé avec de la lumière et non du son.

8. Unité

Les grands photographes font attention aux moindres détails. C’est ainsi que tout dans l’image s’emboîte parfaitement. Si quelque chose ne va pas, votre unité est rejetée. C’est là que les peintres peuvent tricher. Ils peuvent ajouter ou supprimer tout ce qu’ils ne veulent pas. Nous, d’un autre côté, devons travailler avec ce que nous avons obtenu. Surtout nous, photographes de paysages.

Règle des tiers

Je suis à plus de 1500 mots dans cet article et je n’ai pas encore évoqué la règle des tiers ;)

La règle des tiers consiste à placer les éléments-clefs de la composition sur des lignes imaginaires qui divisent l’image en parties égales. Ces lignes doivent être placées aux tiers horizontaux et verticaux. On les appelle les lignes de force et leurs intersections des points forts. Saviez-vous que cette expression «règle des tiers» est née en 1797 d’un peintre, John Thomas Smith. Il a souligné dans une brochure qu’il écrivait que si une image est divisée en tiers à la fois verticalement et horizontalement, cela créera une composition agréable si vous placez vos horizons et vos sujets sur ces lignes. En particulier, il souligne que les horizons doivent être situés aux 2/3 de la hauteur de votre toile. Je conviens que cela fonctionne parfaitement avec la photographie.

Brisez cette règle si l’image en a besoin, mais si elle n’en a pas besoin, respectez la règle. J’en parle en détail dans les bases de la photographie.

Dernière chose…

Réglez votre réveil avant l’aube !

La plupart d’entre nous, moi y compris, prenons le temps le week-end pour se détendre et flâner. Après s’être levé à 8 h ou plus tard, il faut du temps pour sa toilette. Ensuite, nous avons tendance à prendre un bon petit déjeuner. Au moment où nous sommes prêts à aller n’importe où pour prendre des photos, il est environ 10 heures ou plus tard. Malheureusement, à ce moment-là, la lumière n’est plus favorable. Prendre des photos maintenant donnera des images d’aspect moyen avec des couleurs ternes.

Si vous voulez des couleurs vives, rehaussées par un éclairage intéressant, vous devez être prêt à utiliser votre appareil photo dès le lever du soleil. Vous aurez ensuite deux à trois heures pour prendre des photos sous la meilleure lumière. Après cela, vous pouvez faire une pause, jusqu’à deux à trois heures avant le coucher du soleil. À ce moment de la journée, la lumière est intéressante et donne de la chaleur aux couleurs. Changer la routine quotidienne vous donnera de meilleures opportunités pour prendre de superbes photos de paysages. C’est pourquoi je pense qu’un réveil est un outil très utile pour le photographe de paysage ;)

Voir quelques photos d’Écosse prises le soir et le matin…

Conclusion

Merci d’avoir parcouru cet article sur les grands photographes jusqu’au bout ! Entraînez-vous maintenant à suivre ces quelques directives et vos images seront de mieux en mieux. Si ce n’est pas le cas, écrivez-moi ;)

Enfin, si vous pensez que cet article peut intéresser quelqu’un, n’hésitez pas à le partager. Ça se passe quelques centimètres plus bas… Merci et à bientôt !

Retrouvez tous les tutoriels photo.

 

Bonne chance et bonnes photos !

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