Sont-ils naturellement doués ?

Il peut y avoir des prédispositions…

Les grands photographes ont une sensibilité particulière à l’image. Une facilité naturelle pour composer, mettre en scène et valoriser la lumière. Vous souhaitez savoir peut-être comment ces belles photos de paysages présentées dans les magazines sont prises. Les couleurs sont si vives et les compositions toujours intéressantes. La façon dont elles guident votre regard du premier plan vers un sujet principal à l’arrière-plan. Tout est parfait.

Si vous voulez être un photographe significatif, si vous voulez que votre travail signifie quelque chose et soit plus important, ayez un but. Certains photographes savent magistralement raconter une histoire avec une seule image. Pensez à ce qui est crucial pour vous, photographiez-le, racontez une histoire et exposez les personnes à quelque chose que vous jugez majeur.

Photographier est une attitude, l’expression d’une vision du monde. Ce n’est pas un art magique emprunté à un instrument. L’appareil photo ne fait pas le photographe. Le photographe utilise l’appareil photo comme un outil.

Des tonnes de photos quotidiennement !

La question de savoir ce qui sépare les grands photographes des bons photographes est complexe…

Quotidiennement, nous voyons des tonnes de photographies autour de nous. Beaucoup sont très bonnes. Certaines tout simplement magnifiques. De nombreuses pas très intéressantes finalement et beaucoup de photos identiques… Voici quelques pistes pour sortir du lot et améliorer sa production.

• Les grands photographes montrent moins de photos. Paradoxalement, ils sont mieux à même de promouvoir leur travail. L’image de marque ne peut pas être sous-estimée.
• Ils reviennent au même endroit, sujet ou concept encore et encore, essayant de créer une meilleure image.
• Les grands photographes se soucient de l’émotion et de la narration, pas des règles. Ils ont aussi beaucoup de patience pour obtenir une image particulière.
• Ils créent leur propre chance en se plaçant aux bons endroits au bon moment. Ils font beaucoup de planification. La recherche est essentielle, surtout s’il s’agit d’un lieu ou d’un sujet inconnu.
• Enfin, ils travaillent constamment. Ils pratiquent beaucoup. Ils essayent de nouvelles techniques et perfectionnent les anciennes. Ils connaissent intimement leur équipement.

Les qualités des grands photographes

1. PERSÉVÉRANCE

La persévérance est la clé. Tout le monde rencontre des défis dans son parcours photographique. La clé est de ne pas abandonner. Et, ne vous attendez pas à exceller immédiatement. Concernant la photographie, vous aurez peut-être besoin d’une dizaine d’années pour vous perfectionner.

Les grands photographes ont un but. Leurs photos ont un sens. Ansel Adams n’était pas seulement un photographe de paysage. Il était écologiste avant l’heure et a travaillé avec le gouvernement américain pour inciter les personnes à se soucier des parcs nationaux.

2. STYLE

Les grands photographes ont des styles de photographie emblématiques. Ils sont persistants dans un certain domaine et ils le maîtrisent à fond. Les grands photographes développent un style avec le genre de photographie dans lequel ils se sentent bien. Ainsi, si vous voulez vous épanouir comme grand photographe, soyez un spécialiste, pas un généraliste.

J’en parle dans ce tutoriel : Trouver son style en photographie.

Les grands photographes ne se contentent pas de suivre les traces des autres. Si les photos de tous se ressemblaient, personne ne se soucierait de personne. C’est pourquoi être unique à votre manière est important. Trouvez un moyen de faire quelque chose de complètement nouveau.

3. CURIOSITÉ

Si vous lisez cet article, alors bien joué ! Vous êtes déjà sur la bonne voie. Les grands photographes s’intéressent au fonctionnement des autres artistes. De plus, ils apprennent de l’excellent travail des autres. Découvrez d’autres photographes, ce qui les a influencés, ce qui les a inspirés, ce qui les a rendus grands. Comprendre l’artiste pour comprendre ce qui le rend exceptionnel à vos yeux, puis appliquer l’essentiel de cela à votre propre démarche.

Vous trouverez l’inspiration d’autres photographes sur cette page : La Crèmes des Photographes de Paysages.

4. IMAGE FINALE

Les plus grands photographes se concentrent sur l’image finale. Les grands photographes feront presque tout pour obtenir l’image finale qu’ils ont en tête. Je le dis souvent : La photographie est une construction mentale avant d’être une réalité. Soyez toujours clair sur la raison pour laquelle vous prenez une photo. Les grands photographes commencent avec une vision dans leur esprit et imaginent comment ils peuvent parvenir au résultat recherché. Ils prennent les dispositions nécessaires pour arriver à cette image finale.

J’en parle dans cet article : La Photographie de Paysages.

5. MONÉTISATION

Les grands photographes trouvent des moyens de vivre de leur travail. Beaucoup pourraient soutenir que la photographie est un art et un moyen de transmettre un message, mais nous savons tous que le monde réel ne fonctionne pas de cette façon. Si vous ne monétisez pas votre photographie, vous serez coincé avec un travail de neuf à cinq qui absorbera votre énergie et votre temps pour la photographie.

Vous devez trouver un moyen de gagner votre vie avec votre photographie afin de pouvoir vous y consacrer à 100 %. Cela signifie savoir se commercialiser et parfois savoir renoncer un peu à ses idéaux. Mais, cela est pour le plus grand bien de votre mission.

Visitez la boutique

Je pense que l’on peut tous apprendre la technique. Cependant, la partie créative vient de l’intérieur et ne peut pas réellement être « enseignée ». Certains l’ont naturellement, et certains ne l’ont pas. Personnellement, je préfère voir une photo créative avec quelques défauts techniques, plutôt qu’une photo technique parfaite sans intérêt créatif.

Couleurs et composition

Quand les personnes disent qu’elles aiment une photo, elles apprécient souvent les couleurs.

Les couleurs sont le sucre de la photographie. Nous adorons tous le sucre. Les couleurs nous frappent immédiatement sur une photo et il y a peut-être une théorie sur la perception des couleurs pour comprendre pourquoi certaines couleurs fonctionnent mieux que d’autres et nous entraînent à dire WOW, la belle photo !  Le bleu du ciel, les couleurs des fleurs, une forêt en #automne…

La technique et les couleurs, c’est bien ! Mais, j’aime surtout les photos capables de capter mon attention et de me donner des émotions pendant au moins 10 secondes. Dix secondes, c’est beaucoup ! Regarder une photo durant si longtemps est finalement assez rare. Prenez le temps d’y penser et vous verrez que ce n’est pas faux. C’est plus que le temps que nous passons à regarder une peinture dans une galerie d’art… Mona Lisa mise à part.

Parfois, il faut savoir oublier la technologie et faire des images avec le cœur !

La composition est la base de la photographie

Chaque élément de la photo doit parfaitement être disposé dans le cadre afin d’obtenir le résultat parfait. C’est bien connu. J’aimerais maintenant analyser deux types de compositions. Les premières sont les compositions bloquées. Les secondes sont les compositions centrifuges.

La composition bloquée…

Je parle de celles où le sujet est généralement au milieu et où tous les autres éléments pointent directement au centre du cadre. Un grand classique qui ne fait pas prendre de risques et qui fonctionne bien la plupart du temps. Même s’il y a beaucoup de photos de grande renommée et plutôt bonnes établies sur cette composition bloquée, j’adore aussi le contraire.

La composition centrifuge…

Cette composition est beaucoup plus intéressante. Puisque chaque photo est définie par ses éléments, mais également par le cadre, chaque élément qui a tendance à sortir des frontières ajoute souvent quelque chose d’intéressant. C’est comme s’il était impossible de contenir toute l’histoire à l’intérieur du cadre. C’est comme s’il y avait deux photos : la visible à l’intérieur du cadre et l’autre invisible à l’extérieur. Une composition centrifuge livre deux photos en une ou, au moins, raconte une histoire plus grande. Quelque chose se passe à l’intérieur du cadre et vous pouvez le voir, mais quelque chose se produit aussi à l’extérieur, et vous pouvez simplement l’imaginer. L’histoire intérieure est si forte qu’elle essaie de s’échapper en dehors du cadre. C’est souvent dans cette situation que nous dépassons ces fameuses 10 secondes…

Les grands photographes ne pensent pas à comment être grands. Ils font juste leurs images, à leur façon, et se motivent constamment à être meilleurs.

Les 8 principes de composition

Comment les grands photographes composent-ils leurs images ?

Y a-t-il un aspect du processus qui sépare le simplement bon du vraiment magnifique ? De nombreux candidats viennent immédiatement à l’esprit, tels que le sujet, la lumière, l’humeur et le moment. Mais un aspect dépasse réellement tout le reste, et c’est le fil qui relie toutes ces autres qualités. La composition, l’arrangement artistique et le placement des éléments visuels dans le cadre de l’image. C’est l’aspect le plus difficile à maîtriser de l’art photographique, également le plus important.

1. Équilibre

C’est une sensation que vous ressentez lorsque vous regardez une image. Est-ce que cela semble lourd ? Léger ? Centré ? Symétrique ? Si vous regardez votre image et que vous avez l’impression de vous pencher dans un sens ou dans l’autre, votre photo est peut-être déséquilibrée. Il faut arriver au bon équilibre.

2. Contraste

C’est l’un des aspects les plus négligés de la photographie. Le contraste ajoute une vie dynamique à votre image. La plupart d’entre nous le savent, mais le contraste peut aussi raconter une histoire. Lorsque vous regardez une vieille peinture du Christ, vous voyez souvent de la lumière provenant de sa tête, et l’environnement est très sombre. Le contraste à l’intérieur de l’image vous oblige à regarder son visage. Le contraste ou l’absence de celui-ci est un moteur extrêmement puissant. Voir le tutoriel : Accessoires photo indispensables pour faire un paysage dramatique.

3. Positionnement

Ansel Adams a dit un jour : « Une bonne photographie, c’est savoir où se tenir. » Explorer à fond une scène est le meilleur moyen de vous assurer de trouver un indice convaincant et original. Si vous ne vous posez pas de questions comme « À quoi ressemblerait la vue depuis cette petite colline là-bas ? », alors vous vous limitez aux seuls plans les plus évidents. Si vous souhaitez créer des compositions uniques et significatives, vous devez faire bouger vos pieds et expérimenter différents angles, longueurs focales et positions relatives. Ce n’est qu’alors que vous pourrez vraiment voir ce que le monde a à offrir.

4. Mouvement

Le mouvement est une sorte de sonorité. Y a-t-il un mouvement dû au flou de mouvement, à l’eau vaporeuse ou au mouvement des nuages ? Ceci est un mouvement dans l’image. Le mouvement est utile pour raconter une histoire ou créer une ambiance dans une photo. L’opposition visuelle est la clé des compositions dynamiques. Les éléments opposés créent de l’énergie. Recherchez des lignes ou des formes qui s’inclinent ou pointent dans des directions opposées pour renforcer l’image.

5. Pattern

La répétition a une importance dans l’image, car elle peut créer une sensation uniforme. Cette sensation entre dans la création d’une composition unifiée. S’il y a trop de chaos dans une image, le spectateur ignore où regarder. Le motif répétitif calme le chaos et permet à l’œil de rechercher le sujet.

6. Direction

Les éléments principaux sont utiles pour attirer l’œil du spectateur sur la photo. Les lignes directrices qui s’étendent du premier plan à l’arrière-plan sont particulièrement puissantes. D’autres formes placées au premier plan peuvent accomplir la même chose. Une rivière incurvée peut encourager l’œil à serpenter tout au long de la scène, tandis qu’un rocher en forme de triangle peut pointer dans la composition. De multiples éléments visuels, correctement organisés, peuvent inciter l’œil du spectateur à voyager profondément dans la scène ; une progression visuelle de bas en haut est souvent particulièrement efficace sur des images verticales. En format paysage, un balayage gauche-droite est très puissant également.

En fournissant un point de référence évident pour les spectateurs, vous aidez non seulement à diriger leur mouvement visuel à travers l’image, mais vous pouvez aussi simplifier une scène autrement chaotique. Les ancres visuelles sont des éléments simples, mais convaincants qui sont généralement placés au premier plan d’une image, fournissant ce point de référence indispensable.

7. Rythme

Le rythme traite de la façon dont l’image résonne. C’est une combinaison de répétition et de motif, mais avec plus de dynamique. Pensez-y comme à une chanson. La musique a une répétition et un motif, cependant elle monte et descend en fonction des paroles de la chanson. En photographie, cela est créé avec de la lumière et non du son.

8. Unité

Les grands photographes font attention aux moindres détails. Tout dans l’image s’emboîte ainsi parfaitement. Si quelque chose ne va pas, votre unité est rejetée. C’est là que les peintres peuvent tricher. Ils peuvent ajouter ou supprimer tout ce qu’ils ne veulent pas. Nous, toutefois, devons travailler avec ce que nous avons obtenu. Surtout nous, photographes de paysages.

Règle des tiers

Je suis à plus de 1 500 mots dans cet article et je n’ai pas encore évoqué la règle des tiers ;)

La règle des tiers consiste à placer les éléments-clés de la composition sur des lignes imaginaires qui divisent l’image en parties égales. Ces lignes doivent être placées aux tiers horizontaux et verticaux. On les appelle les lignes de force et leurs intersections, des points forts. Saviez-vous que cette expression «règle des tiers» est née en 1797 d’un peintre, John Thomas Smith. Il a souligné dans une brochure qu’il écrivait que si une image est divisée en tiers autant verticalement qu’horizontalement, cela créera une composition agréable si vous placez vos horizons et vos sujets sur ces lignes. En particulier, il souligne que les horizons doivent être situés aux 2/3 de la hauteur de votre toile. Je conviens que cela fonctionne parfaitement avec la photographie.

Brisez cette règle si l’image en a besoin, mais si elle n’en a pas besoin, respectez la règle. J’en parle en détail dans les bases de la photographie.

Dernière chose…

Réglez votre réveil avant l’aube !

La plupart d’entre nous, moi y compris, prenons le temps le week-end pour nous détendre et flâner. Après s’être levé à 8 h ou plus tard, il faut du temps pour sa toilette. Ensuite, nous avons tendance à prendre un bon petit déjeuner. Alors que nous sommes prêts à aller n’importe où pour prendre des photos, il est environ 10 heures ou plus tard. Cependant, à ce moment-là, la lumière n’est plus favorable. Prendre des photos maintenant donnera des images d’aspect moyen avec des couleurs ternes.

Si vous voulez des couleurs vives, rehaussées par un éclairage intéressant, vous devez être prêt à utiliser votre appareil photo dès le lever du soleil. Vous aurez ensuite deux à trois heures pour prendre des photos sous la meilleure lumière. Après cela, vous pouvez faire une pause, jusqu’à deux à trois heures avant le coucher du soleil. À ce moment de la journée, la lumière est intéressante et donne de la chaleur aux couleurs. Changer la routine quotidienne vous procurera de meilleures opportunités pour prendre de superbes photos de paysages. C’est pourquoi je pense qu’un réveil est un outil très utile pour le photographe de paysage ;)

Voir quelques photos d’Écosse prises le soir et le matin…

Conclusion

Merci d’avoir parcouru cet article sur les grands photographes jusqu’au bout ! Entraînez-vous maintenant à suivre ces quelques directives et vos images seront de mieux en mieux. Si ce n’est pas le cas, écrivez-moi ;)

Enfin, si vous pensez que cet article peut intéresser quelqu’un, partagez-le. Ça se passe quelques centimètres plus bas… Merci et à bientôt !

Retrouvez tous les tutoriels photo.

 

Bonne chance et bonnes photos !

Les plus belles photos de Nature Photographie

Dramatique, immense, intense…

Voilà les mots qui me viennent à l’esprit quand je regarde cette photo !

De vastes étendues plus ou moins sauvages qui ont toute la même particularité, un effet dramatique. Pour réussir ce genre de photographies, il y a juste une chose qu’on ne maîtrise pas, c’est la météo ! Il faut non pas la subir, mais jouer avec elle. Être patient pour attendre le bon moment, la bonne lumière qui va percer les nuages entre deux rafales. (Une photo prise sur la plage de Siglufjörður tout au nord de l’Islande, à quelques kilomètres d’Akureyri).

Salut tout le monde,

J’espère que vous êtes en forme. Certains d’entre vous sont sûrement au boulot et d’autres en vacances, j’ignore où. Dans les deux cas, c’est cool puisque vous me lisez. Dans cet article, nous allons voir ensemble les accessoires photo indispensables pour réussir un paysage dramatique. Nous utiliserons simplement des filtres, un trépied et un traitement photo adapté. En bonus, une astuce Photoshop pour dramatiser une photo en… Quinze secondes !

Les accessoires indispensables

Pour faire un paysage dramatique

Si on ne peut pas influer sur la météo, il y a des accessoires indispensables pour renforcer ce côté dramatique.

En premier, avoir sous la main 2 ou 3 filtres dégradés ND de densités différentes. On les appelle gris neutre, car ils filtrent toutes les longueurs d’onde de la même manière et donc n’introduisent aucune dominante colorée dans l’image.

Le filtre dégradé neutre permet de diminuer la quantité de lumière, mais seulement sur une partie de l’image. La partie haute nous intéresse ici pour renforcer les nuages et récupérer des détails. Ceux-ci seraient sans nul doute cramés sans un filtre. En avoir 2 ou 3 permet de jongler suivant l’intensité des hautes lumières et du contraste. C’est le top pour obtenir un paysage dramatique. En voir sur amazon.fr

Ne pas confondre ces filtres avec les filtres gris neutre (sans dégradé) qui servent à travailler dans des vitesses lentes pour obtenir par exemple un effet de filé sur une chute d’eau… Ces filtres, en général ronds, se vissent directement sur l’objectif et ne nécessitent donc pas de porte-filtre comme leurs cousins. J’en parle ici : Progresser en photographie.

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Faut-il choisir un filtre polarisant linéaire ou circulaire ?

Le filtre polarisant circulaire est préférable dans le cas des reflex autofocus et voici pourquoi :
Tout simplement, car la plupart des appareils reflex mesurent la lumière à travers un miroir semi-transparent qui est lui-même polarisant. Dans ce cas, l’utilisation d’un polarisant linéaire amènera une mesure de lumière faussée. Ou alors, il faut mesurer la lumière, passer en manuel puis monter le filtre ou encore utiliser une cellule à main. Mais, on n’est pas là pour s’embêter et de toute façon, on est dénué de cellule à main ;) Il faut donc orienter son choix vers un filtre polarisant circulaire.

Un polarisant est un accessoire bien pratique ! Il est souvent utilisé pour réduire les reflets sur l’eau ou sur le verre et apporter plus de saturation aux photos. Nous sommes alors bien là aussi dans un accessoire polyvalent qui peut nous aider à renforcer le côté dramatique d’une photo de paysage.

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Un trépied photo est un accessoire incontournable, quasi indispensable, que tout photographe devrait posséder.

Il assure la netteté en évitant le flou de bougé. Évite la montée en sensibilité. De plus, il permet de faire des photos par faible lumière, également de réaliser des montages photo de qualité comme des panoramiques. Enfin, il aidera à composer son image. Ainsi, vous l’aurez compris, un trépied photo est indispensable si on veut monter une marche vers la qualité.

Quelques conseils pour choisir un bon trépied photo. De plus, il doit être stable, cela paraît évident, mais il est obligé de recevoir sans trembler le poids de votre boîtier et de son objectif le plus lourd.

Par ailleurs, il doit avoir une bonne hauteur pour ménager son dos. Avoir une rotule qui permet facilement de passer en format paysage et portrait. Il doit avoir des pieds qui s’ouvrent à angle droit pour photographier au ras du sol. Le poids du trépied a son importance, mais là, c’est votre portefeuille qui décidera pour vous : pas trop cher = aluminium. Un mois de salaire = fibre de carbone ;) Enfin, pour le transport, une hauteur repliée qui permettra de le glisser dans une valise ou un sac photo. Pensez à prendre les mesures !

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Protégez votre appareil photo de l’eau, de la neige, de la poussière et de l’abrasion.

Être en pleine nature dans des conditions difficiles impose que le photographe soit bien protégé du froid, du vent ou de la pluie… Mais, qu’en est-il de votre APN ?

La conception moulante unique de cette protection utilise un tissu extensible avec une membrane imperméable pour protéger votre appareil photo. Et, ceci sans ajouter de volume ni entraver votre flux de travail.

Il existe plusieurs tailles et je peux vous dire, pour l’avoir souvent utilisé (notamment en Islande et en Laponie) que c’est une très bonne protection pour nos boîtiers et nos objectifs ! Parce qu’ils le valent bien ;)

Vous la trouverez chez PeakDesign avec d’autres accessoires comme des sacs ou des trépieds.

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Post-traitement

Pour terminer, je dois parler du post-traitement.

Traiter votre fichier RAW vous aidera à finaliser le travail effectué lors de la prise de vue.

Pour cela, il y a les tutos photos et en particulier l’article complet sur : comment dramatiser une photo. Un tuto pas tout neuf mais toujours d’actualité si vous utilisez Photoshop. Pour obtenir un paysage dramatique, on va principalement travailler sur les calques de réglages. Luminosité, contraste de l’image et couleurs. Ne pas oublier le noir et blanc qui, d’origine, peut dégager une forte intensité…

Astuce rapide en moins de 15 secondes : Avec Photoshop, dupliquez le calque de la photo (commande J) et passez ce nouveau calque en mode produit avec une opacité autour de 50 %. Effet garanti ! Si en plus, vous ajoutez un masque de fusion à ce même calque et que vous travaillez avec l’outil Pinceau… Vous allez atteindre des sommets ;))

Pour finir, un bon vieux vignettage et vous arriverez au but de cet article. Faire d’un paysage avec un fort caractère, un paysage dramatique unique.

La photographie est un voyage solitaire où le seul bagage est la lumière et le hasard.

Remy Donnadieu

Conclusion

J’espère vous avoir convaincus de l’utilité que peuvent avoir ces filtres dans la photo de paysage pour obtenir un effet dramatique. Grâce à eux, vous pourrez dès la prise de vue atteindre d’excellents résultats… Vous passerez aussi moins de temps en post-traitement. Un dernier conseil : privilégiez les filtres de qualité ! Il serait dommage d’avoir investi dans un bon objectif et d’utiliser un filtre de médiocre qualité.

Si vous avez d’autres techniques, des idées ou l’envie d’en parler, pensez à laisser un commentaire au bas de cette page. Le dialogue est toujours ouvert ;)

Merci pour la visite et à bientôt,

Découvrez le 27ᵉ tutoriel photo : Comment photographier avec le brouillard.

Qu’est-ce qui distingue les grands photographes ?

Pourquoi donc une photo rouge ?

On peut légitimement se poser la question…

Je vais essayer d’y répondre :

Il y a trois semaines environ, je déposais quelques-unes de mes meilleures photos prises durant notre séjour au Laos sur ma page Facebook (à l’époque, j’en avais une…). Dont cette photo rouge. Un matin, parmi les nombreux commentaires (merci à tous) je trouve celui de Louis Maujean. Il est étudiant à Metz à l’université de Lorraine et il m’écrit ceci :

Wow ! Super boulot, elles sont vraiment belles !! Cependant, j’avoue juste ne pas trop comprendre la démarche de la photo de la lune avec un brouillard rouge, la teinte est naturelle ou retouchée ? Si c’est une retouche, pourquoi en rouge ? (Très bel album en tout cas).

Sur le coup son commentaire m’a interpellé, mais je n’ai pas trop su quoi répondre. Je l’ai remercié pour son message en mettant un j’aime et je suis parti… Par ailleurs, vous avez peut-être aperçu cette photo en parcourant l’article dédié à Don Det sur les 4 000 îles. En réalité, elle fait partie d’une série de cinq images.

 

 

 

La photographie est aussi un moyen d’expression artistique.

J’en profite rapidement pour rappeler que mon objectif personnel en photographie n’est absolument pas de retranscrire la réalité. Franchement, ça ne m’intéresse absolument pas ! Sinon j’aurais fait photographe de reportage ou documentaliste… Non, ce qui me captive en photographie, c’est justement de pouvoir m’exprimer librement et artistiquement. Laisser parler ma sensibilité, imaginer et pourquoi pas jouer avec la réalité.

Alors pourquoi une photo rouge ?

Déjà parce que c’est une couleur que j’aime et surtout, j’ai trouvé que l’association avec le noir et une touche de blanc fonctionnait plutôt bien. J’essaye toujours de faire quelque chose de beau. Finalement, j’adore le résultat. Donc bien sûr, on a le droit de ne pas apprécier, d’ailleurs, je ne fais pas de la photo pour être aimé. Je fais de la photo pour m’exprimer.

Le pixel est mon quotidien.

Il me permet de faire passer mes peurs, mes angoisses, mes joies et mes moments de bonheur. Je suis sûr que celles et ceux d’entre vous qui me suivent et me connaissent bien, ressentent mon état d’esprit rien qu’en regardant mes images. Suivant que je fais du noir et blanc très contrasté, des textures ou des fleurs, ils ou elles savent dans quel état général, je me trouve. Bisous m’man ;)

Attention, je ne me justifie pas. Il n’y a aucune attaque dans le message de Louis. Alors, je souhaite simplement lui donner les raisons pour lesquelles beaucoup de mes photos sont travaillées. Je recherche le beau, l’esthétique et parfois le côté onirique dans mes images. C’est sûr, je n’y arrive pas toujours, mais j’essaye… Au fait, regardez à quoi ressemble la photo originale ci-dessous. Je suis certain que certains préfèrent, moi non ;)

La photographie est un mode d’expression artistique.

On voit ici les différents outils utilisés…

En particulier les brosses Photoshop dont j’explique l’utilisation dans ce tutoriel.

En conclusion, je remercie Louis Maujean qui m’a donné l’opportunité d’expliquer un peu plus mon travail et d’apporter un début de réponse à cette question qui m’est souvent posée. Pas forcément pourquoi une photo rouge, bien sûr, mais plus généralement pourquoi mes photos sont retouchées…

Alors, est-ce que je retouche mes photos ? Je réponds oui, bien entendu, et pourquoi pas ?

À découvrir : Angulaire – La série en coin

À lire en complément :  Accessoires photo indispensables pour faire un paysage dramatique

Qu’est-ce qui distingue les grands photographes ?

Tout ce que vous pouvez imaginer est réel – Pablo Picasso

 

N.B_ Définition de la retouche photo par WikipédiA :

La retouche d’image désigne tout procédé qui consiste à modifier une image, une photographie, film cinématographique ou peinture. En photographie, la retouche consiste à corriger des défauts d’aspect, éclaircir ou assombrir l’image, augmenter ou diminuer les contrastes et retravailler la saturation des couleurs.

Elle peut aussi faire référence à des modifications plus importantes. Si on transforme une photographie pour ajouter une personne ou en enlever une, on parle alors de photomontage ou de trucage photographique.

En peinture, il s’agit pour le peintre de modifier très légèrement certains aspects de sa toile.

À bientôt,

 

Tuto photo : Améliorer ses photos en hiver.

En hiver, les opportunités de faire du beau paysage sont nombreuses…

Bonjour à tous,

Ça y est, la neige arrive ! Enfin… en plaine c’est surtout du givre, pour la poudreuse il faut monter dans les Vosges ;) Je profite de ce début de saison pour vous proposer un tutoriel photo consacré à la photo de paysages en hiver. Pour illustrer cet article, il y a des photos bien sûr et notamment quelques conseils ramenés directement du terrain. Il y aura aussi du vin chaud ;) Alors enfilez votre bonnet et retirez vos moufles. Parce que vous allez avoir besoin de vos petits doigts pour participer ;))

 

 

 

L’hiver est une très belle période de l’année. Particulièrement si vous vivez dans une région qui reçoit beaucoup de neige.

La photo de paysages en hiver, c’est tout d’abord le froid intense. Mais également la neige qui tombe, la pureté de l’air, la lumière si particulière qui se reflète sur la neige. Ce sont des éléments qui permettent de construire des images uniques avec beaucoup de caractère. Et qui contrastent avec la douceur des lumières du matin ou du soir. L’hiver propose donc de fabuleux décors pour la photographie de paysages. Il donne aussi aux photographes animaliers de belles occasions de voir des animaux dans un cadre unique. Pour s’en convaincre, on peut regarder les sites de Jim Brandenburg.

 

 

Mais, revenons à la photo de paysages et à la photo de paysages en hiver ;) 

L’hiver est une saison particulière. Elle entraîne certains problèmes difficiles à comprendre et à résoudre pour les photographes débutants (température de couleur/balance des blancs, exposition, vitesse, histogramme…). Dans cet article, je vous donne des conseils sur la façon de photographier les paysages en hiver. Avec des photos bien exposées et de belles images en couleur. Je vous dirai comment utiliser la neige à votre avantage !

 

 

 

Donc l’hiver arrive, et à la différence des gens normaux, qui se précipitent pour profiter des soldes et acheter de nouveaux manteaux, chandails et pneus d’hiver, les gars (et les filles) comme nous avec leurs appareils photo ont des choses supplémentaires à faire ;)

Pour faire de la photo de paysages en hiver, il faut être bien équipé ! Cela parait évident. Si vous êtes habitués à être dehors par des températures négatives, vous savez que la technique de l’oignon est la meilleure pour s’habiller et avoir chaud sans transpirer. Autrement dit, plusieurs couches (trois c’est bien) vous permettront de moduler plus facilement la chaleur en fonction de l’activité et du lieu. Personnellement, je préfère ne pas transpirer en marchant (avec le sac à dos ça va vite) et avoir un peu de frais pendant les pauses. Un élément important à ne jamais oublier, la bouteille thermos ! Elle vous réchauffera les mains, le corps et l’esprit ;) Non sans blague, si vous partez quelques heures en hiver en pleine nature, ne l’oubliez pas !

 

 

 

Pour le matériel, évitez les changements rapides de température ! Contrairement aux êtres humains qui aiment rentrer dans une maison bien chaude après une promenade dans le froid, les appareils photo détestent !

La raison en est la condensation. Lorsqu’un objet très froid pénètre dans un environnement chaud, l’humidité commence à se condenser sur sa surface et votre APN sera très vite recouvert de rosée. Le pire, c’est que cette rosée n’est pas seulement à l’extérieur, mais également à l’intérieur de l’appareil. Ce qui peut avoir des conséquences très… désagréables.

La solution…

Pour éviter ces mauvaises surprises, laissez uniquement l’appareil photo dans son sac et déposez le tout dans une entrée. Ou mieux dans un garage pendant une heure ou deux car cela va éviter le choc thermique. Il existe aussi aujourd’hui un tas d’accessoires pour emmitoufler le boitier et l’objectif quand on est sur le terrain. J’en ai un pour le Nikon. Il ressemble à un manchon en caoutchouc, il est assez peu commode à mettre en place mais relativement efficace sur le terrain. Ça ne dispense toutefois pas de faire très attention aux changements de température et donc de réchauffer doucement son matériel. J’ai aussi un petit sac en tissu pour mes deux batteries de rechange. Je les garde sur moi dans une poche intérieure pour éviter qu’elles ne se déchargent trop vite dans le froid.

 

 

 

La bonne exposition pour la photo de paysages en hiver ! 

C’est l’un des problèmes récurrents avec la photo en hiver ! La neige est grise ou bleutée. Il y a comme un voile sur l’image et le résultat n’est pas à la hauteur de vos attentes… En réalité, votre photo est tout simplement sous-exposée. Pourquoi ? Parce que lorsque l’on fait une mesure de lumière, il s’agit toujours d’une mesure en lumière réfléchie. La lumière qui atteint la cellule photoélectrique de votre appareil photo provient de la source de lumière qui éclaire la scène et la neige réfléchit énormément la lumière. C’est le pouvoir réfléchissant d’une surface, appelé aussi albédo, dont vous trouverez des précisions sur Wikipédia. Un sujet moyen réfléchit 18 % de lumière, c’est le cas d’un gris neutre sur une charte Kodak par exemple. Cliquez pour voir la charte.

La solution pour y remédier est très simple. Il suffit de sur-exposer manuellement vos photos dans une fourchette de 0,5 à 2 diaphragmes suivant l’ensoleillement et la lumière ambiante. Pour contrôler le résultat, la façon la plus efficace est de vérifier l’histogramme au dos de votre boîtier. Assurez-vous que le graphique est poussé vers la droite, mais ne déborde pas sur le bord. Ce qui indiquerait l’écrêtage des hautes lumières. Dans ce cas, vous avez trop ouvert votre diaphragme, fermez-le un peu.

 

 

Je rebondis sur la température de couleur (on parle d’unité Kelvin — autrefois on disait degré Kelvin).

5 500 kelvins correspondent à la lumière du jour. Plus on baisse ce chiffre, plus on réchauffe avec du jaune. Plus on augmente ce chiffre, plus on refroidit avec du bleu. Exposition et température de couleur sont intimement liées. La solution ici est de régler manuellement sa balance des blancs directement sur le boîtier. C’est très visuel, vous verrez facilement la différence entre les différents réglages. Ou meilleure solution… rester en mode automatique et photographier en RAW pour modifier sa balance des blancs en postproduction. On peut dans ce cas de figure choisir de refroidir ou de réchauffer volontairement une image dans un but esthétique ou artistique, comme je l’ai fait sur la photo ci-dessous ;) C’est la solution que je retiens.

 

 

 

Une solution plus poussée consisterait à travailler avec un gris neutre à 18 % directement sur l’image.

Il existe des versions simplifiées en plastique gris (voir un exemple sur Amazon) que vous pouvez incorporer dans votre prise de vue. Une technique habituellement utilisée en studio mais adaptable en extérieur. Grâce à la pipette de gris sur Photoshop ou Lightroom, il sera alors facile de cliquer sur le gris pour avoir une balance des blancs parfaite. Vous supprimerez ensuite le plastique gris de votre image avec un coup de tampon…

Température de couleur	Couleur
1800 K	Rouge très foncé
2200 K	Rouge cerise
2600 K	Jaune orange
3200 K	Blanc chaud (coucher de soleil)
5000 K	Blanc neutre (lumière du jour)
6500 K	Blanc froid (lumière polaire)
12000 K	Bleu azur
16000 K	Bleu marine

 

 

 

La bonne vitesse pour photographier la neige qui tombe !

À des vitesses d’obturation lentes entre 1/2s et 1/60s suivant la météo, les flocons de neige deviennent des stries ou des traits blancs… Cela peut être un effet recherché mais pas toujours… Je me souviens avoir fait des photos en Islande pendant des tempêtes de neige modérées. Il est très difficile de dire si la neige tombait à ce moment-là sans agrandir l’image de nombreuses fois. Je préfère les flocons de neige qui apparaissent comme des points plutôt que des stries congelées en plein vol. Pour cela une vitesse d’obturation de 1/250s fait habituellement l’affaire. Un 1/500s peut être mieux pour les flocons très rapides ou par une météo venteuse. Allez c’est ma tournée de vin chaud, je tourne la pancarte sur la porte ;)

 

 

Pause vin chaud, de retour dans 10 minutes…

 

 

La bonne composition pour éviter le tout blanc.

La vue est superbe et semble fantastique à nos yeux, mais notre appareil photo voit les choses différemment de nous. Essayez d’éviter les grands espaces blancs… Le résultat sera une photo avec une grande zone blanche et très peu de points d’intérêt pour accrocher la vision du spectateur. Pensez à intégrer des rochers, de la glace, des glaçons, des arbres, un chat écrasé… non pas de chat écrasé ;) ou toute autre chose qui peut ajouter de l’intérêt à votre photo et qui accrochera le regard. Si le temps n’y est vraiment pas et que l’ambiance générale est pâlichonne, pensez à faire du noir et blanc avant de plier bagage.

 

 

Les accessoires indispensables !

Je reviens une fois de plus avec mon trépied ;) indispensable pour travailler sa composition et primordial pour améliorer la netteté de ses photos. Alors, emportez-le et surtout utilisez-le un maximum de fois. En revanche, je conseille régulièrement l’utilisation d’un filtre polarisant… Je mettrai toutefois un bémol à son utilisation pour la photo de paysages en hiver, notamment par très beau temps avec une lumière très forte et un ciel très bleu. Vous risquez de générer des zones sombres dans le ciel, des zones qui sont réellement difficiles à rattraper ensuite.

J’ai eu de mauvaises surprises en Norvège, alors attention, à utiliser avec modération ! Cependant, si le ciel est blanc, gris ou bleu pâle, privilégiez les filtres dégradés gris neutre pour renforcer les détails dans le ciel.

 

 

La post-production…

Le sujet est vaste mais je vous donne un seul tuyau pour vos photos d’hiver. Un réglage que j’utilise souvent, pour ne pas dire toujours. Tout d’abord, allez dans Teinte/Saturation, sélectionnez la couleur jaune et baissez la saturation. Pour les paysages, mettez-la carrément sur 0 et vous aurez une neige parfaitement blanche car vous aurez enlevé tout le jaune. Profitez-en pour vérifier les niveaux. Resserrez le petit triangle de droite vers la gauche pour éclaircir votre image et enlever ce vilain voile gris.

 

 

 

Un dernier conseil pour la photo de paysages en hiver,

Si vous vous réveillez un matin et que vous voyez par la fenêtre de la neige bien fraîche, bien blanche, ne prenez pas de douche, ne vous brossez pas les dents non plus. Sortez sur le champ faire de la photo car la situation risque de changer ! Le vent va faire tomber la neige des arbres. Ce tapis de neige tellement vierge va rapidement être détruit par les empreintes des promeneurs. Les photographes doivent toujours être les premiers sur place ;)

 

 

 

C’est déjà la fin…

Voilà c’est la fin de ce tutoriel photo consacré à la photo de paysages en hiver. Sans être révolutionnaire, j’espère tout de même que vous avez trouvé dans ces quelques lignes une ou deux astuces pour améliorer le quotidien. Il ne vous reste plus qu’à vous habiller chaudement et à sortir sur le terrain. Vous allez mettre en application ces quelques conseils ;) Je vous souhaite de prendre du plaisir !

Découvrez le 27ᵉ tutoriel photo: Comment photographier avec le brouillard.

Matériel photo utilisé pour cette série d’images : Nikon D810 – Nikkor 24-70mm f/2,8 – Nikkor 14-24mm f/2,8 – Filtre polarisant circulaire et filtre Lee dégradé gris neutre – Fichiers RAW traités avec Photoshop CC2017

 

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Les tutos photos sur Nature Photographie

• LE SECRET DES TEXTURES

• DÉBUTER EN PHOTOGRAPHIE

• PROGRESSER EN PHOTOGRAPHIE

• DÉBUT D’AUTOMNE ET FICHIERS RAW

• CADRAGE ET COMPOSITION

• LIGNES DE FUITE ET PERSPECTIVE

• LA DÉSATURATION SÉLECTIVE

• MAÎTRISER LA LUMIÈRE NATURELLE

• LE FLOU DIRECTIONNEL

• COMMENT DRAMATISER UNE IMAGE

• LE GUIDE DE LA PHOTO D’AUTOMNE

• EFFET ORTON

• LES BROSSES PHOTOSHOP

• LE FLOU DIRECTIONNEL

• LA PAINTOGRAPHY

AUTOMNE : LE BILAN

Fini les photos d’automne !

Bonjour à tous,

Hé oui, c’est fini les balades dans les Vosges ou dans la région des 1 000 Étangs. Pour cet automne en tout cas… Je me suis bien régalé ;) Aussi bien en prise de vue qu’en postproduction ! Cette année encore, j’ai largement utilisé l’effet Orton de même que la Paintography, mais j’ai aussi tenté quelques nouvelles finitions avec en particulier un effet très mat sur certaines photos.

Avec Christine, nous aurons découvert de nouveaux spots et avons passé de longs moments dans la nature. Avec mon fauteuil club, c’est quand même l’endroit où je me sens le mieux ;)) Nous aurons fait deux séjours de trois jours dans la région des 1 000 Étangs. Un bon timing pour découvrir de nouveaux endroits. Je pense que les paysages avec ces superbes étangs doivent être plus qu’intéressants en hiver…

Les 3 principaux articles sur la région :

1. Le Plateau des 1000 Etangs
2. Les couleurs de l’automne
3. Photos de forêts en automne

INSPIRATION ET TECHNIQUE

Des pixels et des couleurs !

L’importance des couleurs pour les photos d’automne est, comment dire… Capitale !

Un bon filtre polarisant va saturer les couleurs chaudes de l’automne. Si en plus, vous photographiez en RAW, vous pourrez réchauffer l’atmosphère générale de vos images en montant un peu la température de couleur. Si vous restez en jpg je vous conseille de modifier la balance des couleurs à la prise de vue et de sous-exposer d’un 1/2 diaphragme vos photos pour rechercher la saturation.

J’ai actualisé un ancien article qui vous aidera dans cette démarche : Le guide de la photo en automne.

Renforcez les couleurs

Pensez aux couleurs complémentaires.

Ces fameuses couleurs opposées qui finalement vont parfaitement se marier entre elles. Exemple : l’orange d’une forêt et le bleu du ciel ou encore mieux le bleu qui se reflète dans l’eau ! La couleur complémentaire d’une couleur froide sera généralement une couleur chaude.

Le concept de couleur complémentaire est l’idée que 2 couleurs se renforcent mutuellement en faisant ressortir l’une et l’autre, en renforçant leur teinte. En résumé, deux couleurs complémentaires utilisées côte à côte gagnent en éclat ! Il existe une méthode visuelle pour reconnaître une couleur complémentaire. Il suffit de placer la couleur qui nous intéresse sur une surface blanche, puis de la fixer durant une minute. Lorsque vous retirez cette couleur de la surface blanche, la couleur complémentaire apparaît devant vos yeux.

Les accessoires indispensables !

Au risque de me répéter, un filtre polarisant est plus qu’utile pour les photos d’automne ! Un objectif macro est bien aussi pour les champignons, les feuilles et tous les gros plans que l’on peut trouver en se baladant en forêt. Un grand-angle pour les photos de paysages, ça va de soi ;) Enfin un bon trépied est, lui aussi, indispensable pour travailler dans de bonnes conditions avec une bonne profondeur de champ et donc à des vitesses souvent basses.

Cette année, je me suis fait plaisir et j’ai cassé le cochonou pour un trépied et une rotule de chez Really Right Stuff… Le must au niveau trépied et rotule ! Un achat que je ne regrette pas tellement ça m’a changé la vie ;) Rapide à déployer sur le terrain. Haut, plus de 2 m et une rotule qu’on croirait sortie de chez un horloger Suisse ;)

La postproduction…

Avant d’arriver à cette étape, il va de soi que l’image originelle doit être bien composée. Pour les photos d’automne en particulier, faites des compositions simples. Les feuillages peuvent rapidement surcharger l’image et faire brouillon. Pensez plutôt à jouer sur les lignes, les formes, la lumière et les textures. Sur votre logiciel, poussez les curseurs de couleurs, saturation et contraste. Vérifiez aussi votre histogramme et serrez les extrémités si nécessaire ;)

Si les règles de la photographie peuvent être parfois oubliées, il faut tout de même bien les maîtriser. Pour cela, j’ai fait deux tutoriels.

1. Les règles de bases de la photographie
2. Faire de meilleures photos

Réflexion sur la composition…

Tant de tutoriels, de cours et de conseils sur le sujet !

Normal, c’est vraisemblablement avec la lumière, ce qui fait la différence entre une bonne photo et une photo qui va accrocher le regard… Plus de 20 secondes ;)) La règle des tiers, le premier plan, les lignes de fuite font partie des bases en photographie. Pour certains, la composition d’une image est instinctive. Le placement du paysage et de ses composants dans le cadre se fait naturellement. Pour d’autres, c’est là que la galère commence. Si vous êtes dans ce cas de figure, je vous propose d’aborder ce thème si important de la composition d’une manière abstraite. Ne voyez plus seulement une cascade, un arbre, un rocher ou une montagne d’une manière littérale, mais essayez plutôt de penser en termes de forme, de perspective (profondeur et échelle), d’espace (le placement et agencement d’éléments) et de couleurs.

Ce processus est une étape importante ! Pensez autrement à la composition la prochaine fois que vous regarderez dans le viseur ;)

Un nouveau logiciel !

Dites bonjour à Luminar, un petit nouveau dans les logiciels de retouche photo ;)

Luminar c’est un logiciel sorti chez MacPhun et qui vient parfaitement s’intégrer à Photoshop grâce à un plugin dédié. L’interface est très intuitive et ne devrait pas poser de problèmes à ceux qui travaillent régulièrement avec Photoshop. Quelques réglages sont assez bluffants, comme l’intégration d’un filtre polarisant très efficace pour le ciel ou la possibilité d’ajouter très facilement de la lumière sur le bas ou le haut de l’image… On peut utiliser des calques de réglages et jouer sur des tas de paramètres et variantes. J’adore ;)

Je vous conseille vraiment d’aller faire un tour sur le site de l’éditeur et pourquoi pas de télécharger une version d’évaluation ! Pour PC et Mac. Luminar

C’était bien, merci à l’année prochaine ;)

La nature va bientôt s’endormir…

La neige est déjà sur les sommets. Elle m’attend ;) Je vous dis encore un grand merci pour vos visites et les commentaires de ces dernières semaines !

L’aventure continue, alors à très vite !

Quelques liens sur l’automne à ne pas manquer :

• Kuksa et puukko les accessoires pour un automne en or
• Pourquoi les feuilles changent de couleur à l’automne
• Balade à Schoppenwihr en Alsace
• La fougère en 24 photographies
• 100% Automne
• Ciel noir

 

Amitiés,

N.B_ Article mis à jour le 8 novembre 2019

LES QUATRE SAISONS

L’automne

LA GALERIE PHOTOS

Les tutos photos sur naturephotographie

• LA PHOTO DE PAYSAGES EN HIVER

• LE SECRET DES TEXTURES

• LES BASES DE LA PHOTOGRAPHIE 1

• LES BASES DE LA PHOTOGRAPHIE 2

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